La sesión única de arteterapia en la hospitalización pediátrica

Después de mucho esfuerzo, hoy se ha publicado en E-Prints Complutense mi trabajo de final de máster: "La sesión única de arteterapia en la hospitalización pediátrica". Una reflexión sobre las prácticas arteterapéuticas con menores hospitalizados que integra la contextualización teórica de un plan de intervención arteterapéutica con una investigación de carácter cualitativo, para la posterior elaboración de una propuesta de intervención arteterapeútica.

Dicho trabajo pone en valor la sesión única de arteterapia, en el ámbito de la hospitalización pediátrica, situando el foco en las posibilidades, dificultades y potencialidades de la misma.

Me siento feliz de poder compartirlo con todos y todas vosotras. Os dejo el enlace AQUÍ

Gracias a quienes lo habéis hecho posible, por todo vuestro trabajo.

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Dibujo y Mindfulness

Todo el mundo puede dibujar, lejos de ser un don especial que sólo algunos artistas poseen, dibujar puede ser tan natural e instintivo como respirar, siempre y cuando lo permitamos. Cuando dibujamos con atención plena, ese acto tiene el poder de llevarnos a una relación profunda con nosotros mismos y con el mundo que nos rodea, volviendo un simple acto creativo en juego, en danza, en movimiento, en un camino hacía una profunda conexión con la vida.

Los niños dibujan de manera instintiva y generalmente sin pensar demasiado: Ponen una cera sobre el papel y hacen marcas, sin apenas tener un sentido que juzgue el trabajo como un "dibujo bueno" o un "dibujo malo". Ellos sencillamente dibujan. Y sobre eso trata el siguiente post: Simplemente Dibujar.

En la práctica del mindfulness o atención plena solemosponer el foco de atención en las sensaciones de nuestro cuerpo y en la respiración, podríamos decir que el foco en nuestro cuerpo y en el fluir de nuestra respiración es nuestra ancla. Cuando dibujamos con atención plena, es el movimiento del lápiz sobre el papel, la cordinación de ojo y mano y nuestro propio dibujo lo que se convierte en nuestro foco.

Si mantener la atención en algo durante más de cinco minutos es un problema para nosotros, el dibujo puede ofrecernos una solución. El simple acto de hacer marcas en un papel puede ser de gran ayuda cuando tenemos estrés o simplemente difilcutades para calmar nuestra mente, nuestros pensamientos.

Cuando nuestra mente se calma, cuando hemos sido absorvidos por el flujo del dibujo, pasa algo casi mágico, dejamos de estar tan preocupados, de darle vueltas a la cabeza y empezamos a notar el mundo a nuestro alredor.

Es un proceso dinámico, el cual nos invita a ser conscientes, no solo de nuestra mente, sino también de nuestro cuerpo, de todo nuestro ser. Todo lo que necesitamos hacer es simplemente dibujar.

 

Un ejercicio de dibujo para comenzar: Garabatear

Os propongo un simple ejercicio de dibujo, para el cual podéis emplear tan sólo 5 minutos.

Necesitarás un folio A4 y un boli o un lápiz.

· Siéntate cómodamente, sujetando el lápiz como lo harías normalmente. Deja descansar la punta sobre el papel y cierra los ojos.

· Toma unos segundos para sentir la sensación del lápiz entre tus dedos. ¿Cómo lo sientes? ¿Lo estás sujetando con tensión, débilmente? ¿Cómo es la superficie del lápiz? ¿Es suave, rugosa, porosa? ¿Qué partes de tus dedos entran en contacto con el lápiz? ¿Las yemas de los dedos, alguna articulación?

· Mientras mantienes los ojos cerrados, empieza haciendo algunas formas en el papel. Pueden ser espirales, líneas rectas, onduladas, zig-zags, o simplemente una combinación de todas las formas que te apetezca.

· No trates de dibujar nada en concreto. No estás haciendo un dibujo realista ni nada de tu imaginación, simplemente unos garabatos, unas marcas.

· Cuando te sientas un poco aburrido o cansado de una forma, cambia el foco de atención a otra diferente y vuelve de nuevo la atención a la sensación de tu mano dibujando, sujetando el lápiz. Sigue dibujando. Sigue haciendo garabatos simplemente porque te hace sentir bien, sin expectativas, simplemente permitiéndote estar en el momento presente.

Tu espacio de creación en casa

Una de las cosas que nos sucede a menudo a la hora de ponernos a crear es que no disponemos de nuestro propio espacio, una habitación, un estudio o un pequeño rincón donde retirarnos y poder sentirnos libres creando.

En el siguiente post veremos que es muy sencillo crear nuestro espacio de creación incluso si no disponemos de mucho espacio en casa.

Nuestro espacio de creación ha de ser ante todo un espacio inspirador y en el que podamos sentirnos seguros creando. Por eso es importante que reflexionemos sobre aquellas cosas de las cuales nos queremos rodear.

Bajo mi punto de vista me resulta interesante comparar nuestro rincón de creación con un rincón para la meditación, ya que todos los objetos y materiales que conforman ese espacio tienen un "para qué".

Un espacio que nos ayude a poner una pausa, a conectar con nosotros mismos y desconectar (aunque sea por un momento) del caos, la prisa y el ajetreo de nuestras vidas.

No te preocupes si no dispones de una "habitación propia" o de un gran espacio para trabajar. Te contaré que actualmente vivo en una casa muy pequeña y que una mesa de escritorio y algunas cajas y botes para almacenar materiales han sido suficientes para crear mi lugar de creación, mi pequeño santuario en casa.

Rodéate de imágenes y objetos que te inspiren, pinta la pared con un color sugerente o sitúate cerca de una ventana, siempre que te proporcione una vista evocadora o relajante.

Todos disponemos a nuestro alrededor imágenes u objetos que son importantes para nosotros o que tienen un valor personal. Incluso el color de nuestra sala de estar y las cosas que podemos encontrar en ell nos hablan acerca de nuestros valores, de lo que es importante para nosotros.

Por ejemplo, en mi rincón de creación tengo diferentes objetos e imágenes que aluden directamente a los cinco sentidos, al igual que en un espacio para la meditación.

Siempre tengo cerca una fotografía de un viaje que hice a India (vista) en el que participé dentro de un programa para hacer actividades con los niños de un orfanato de Nadiad. Esa imagen evoca en mi fuertes emociones que sentí durante aquella experiencia y siempre me inspira a la hora de crear nuevos proyectos, por eso me gusta tenerla cerca. Mi ukelele (oído) siempre está a mano ya que a veces necesito cambiar de lenguaje y expresarme con música, también me gusta rodearme de plantas o flores frescas; una lámpara de escritorio es una buena aliada cuando la luz natural ya no es suficiente y mi equipo de música, con una amplia selección de temas para diferentes estamos anímicos no puede faltar. A su vez me gusta rodearme de obras de otros artistas que sugieren en mi otros modos de hacer; cerca de mi escritorio tengo una fotografía de una obra de Andy Goldworthy y una copia de uno de los diarios artísticos de Sabrina Ward Harrison; ambos artistas inspiran desde hace tiempo mi trabajo y son una referencia en mi obra.

Disponer de un buen incienso (olfato) siempre me ayuda a relajarme antes de comenzar a dibujar y a veces también hago sonar un pequeño cuenco tibetano para centrar mi atención en el aquí y ahora.

Por último mencionaré que en mi caso siempre me siento más cómoda si puedo saborear un té (gusto) al mismo tiempo que pinto o dibujo, el té hace que me sienta más confortable y entona mi cuerpo, sobre todo si hace un poco de frío.

Por último mencionaré algunos libros que me gusta tener cerca cuando estoy creando: "Tao Te King", "Elogio de la Sombra" o "Mindfulness & Art of Drawing". Libros que me inspiran en momentos en los que no se como empezar una obra o me siento bloqueada.

En cuanto a los materiles te aconsejo que siempre tengas a mano aquellos que consideres que usas con más frecuencia, por ejemplo en mi caso siempre tengo a mano una caja de madera con diferentes compartimentos, (un viejo costurero o una cesta de mimbre también puede ser una buena opción). En ella guardo diferentes tipos de papel que uso como soporte de mis collages y dibujos, también guardo rotuladores, unas tijeras, pegamento, una pequeña caja de acuarelas, pinceles numerados y retales de revistas y recortes para collages. Cerca de mi escritorio también tengo una caja con acrílicos y tintas, un bote con cintas adhesivas de colores, otro bote de cristal con ovillos de lana, piedras y una cajita con plastilina.

No siempre me gusta trabajar con los mismo materiales por eso en mi casó decidí que lo mejor sería poder tener a mano estos materiales para poder cambiar de lenguaje en cualquier momento.

Estos son los elementos en mi espacio de creación, con el tiempo he ido modificándolos, ampliándolos o reduciéndolos según mis necesidades y las características del espacio. Seguramente, en caso de contar con un espacio más grande podría ampliarlos y tener más materiales pero ha decir verdad ahora tengo lo necesario y nada más y eso también me sirve para no dispersarme emasiado. 

Una vez has establecido tu espacio de creación te recomiendo que hagas el siguiente ejercicio:

Empieza mirando a tu alrededor, observando ese espacio que has creado para ti, para dibujar, para pintar para crear tus propios mundos y tómate un tiempo para escribir acerca de cada uno de los elemetos que has escogido para que conformen ese espacio. Intenta darte cuenta de qué es lo que te gusta de cada uno de ellos, de cada imagen, de cada objeto, de cada material. Por ejemplo, a lo mejor te gusta el color o la forma o el modo en que te hace sentir en paz o te recuerda a algún acontecimiento importante. No dudes en hacer cuantas modificaciones consideres necesarias en tu espacio, ten presente que con el tiempo las personas vamos cambiando, ampliando experiencias y es normal que quieras que eso se refleje en tu espacio. Si ves tu espacio de creación como una extensión de ti mismo lo normal es que se vaya modificando con el tiempo al igual que tus obras y tu misma.

 

Ver estudios o talleres de artistas puede darte muchas ideas a la hora de crear tu propio espacio. A continuación te dejo algunos enlaces que puedes visitar para nutrirte de ideas.

·La artista Kelly Rae Roberts comparte su colorido estudio aquí.

·Brit + Co ofrece algunas ideas increíbles para un crear un precioso espacio de arte.

· Hannah, ilustradora y propietaria del blog Raisin Heart, nos muestra su artístico y divertido escritorio.

· Si buscas las palabras "art" + "studio" en Pinterest encontrarás muchas más ieas.

Como decía, no todos disponemos del espacio necesario para crear un gran estudio como los de la lista anterior, pero creo que si realmente quieres hacer que el arte y la creatividad formen parte de tu vida y de tu práctica de autocuidado, puedes encontrar un espacio para ello.  

Se trata de hacer de su arte una prioridad. 

¿Por qué contratar a un arteterapeuta?

Cada vez somos más quienes nos dedicamos a esta profesión y cada día va en aumento el número de personas que se benefician de la Arteterapia y los organismos que ofrecen sus servicios.

En momentos en los que la palabra no es suficiente para ayudarnos a descubrir o a expresar que nos sucede, la arteterapia resulta una poderosa vía para ello.

La arteterapia puede ayudar a mejorar la interacción social y las habilidades de comunicación, y apoyar la rehabilitación física y mental.

Las intervenciones psicológicas tienen como objetivo mejorar el estado de ánimo y el bienestar de la persona; por ejemplo, para reducir síntomas como la ansiedad, la confusión, el dolor o la depresión.

Un arteterapeuta hace esto ayudando al individuo a experimentar por sí mismo, con su propio ritmo, de diferentes maneras y siempre a través de la expresión artística.

 

¿Qué es un arteterapeuta?

Un arteterapeuta es un terapeuta con formación en psicología y experiencia en investigación basada en las artes, además de estar capacitación para realizar intervenciones psicológicas utilizando el teatro, la música o el arte como su principal modo de comunicación.

Existen diferentes programas de posgrado en los cuales los futuros arteterapeutas reciben formación del ámbito artístico, psicológico y educativo. La formación en arteterapia explora estas áreas y al mismo tiempo los conocimientos propios de la profesión. Los alumnos de estos programas provienen de diferentes disciplinas, tales como bellas artes, psicología o educación social, entre otras.

 

¿Cuáles son las principales funciones de un arteterapeuta?

Los arteterapeutas ofrecen intervenciones terapéuticas psicológicas únicas y personalizadas, apoyando a clientes de todas las edades.

Los arteterapeutas pueden ofrecer una gama de recursos psicológicos, incluyendo:

·Intervención psicosocial: permitiendo que las personas participen en la exploración de nuevas relaciones con otros a través del arte y sin tener porqué hablar o comunicarse de una manera más directa.

·Tratamiento basado en la evidencia con el objetivo de ayudar a los usuarios a entender sus propios pensamientos y los pensamientos de los demás.

·Mindfulness para ayudar a la relajación, la consciencia y el estado de alerta, ayudando a reducir la ansiedad, el dolor y los pensamientos intrusivos.

·Tratamiento basado en la compasión: entendiendo el sufrimiento como parte de la condición humana, con el objetivo de des-patologizar y quitar las etiquetas, permitiendo la exploración de los procesos auto-compasivos.

Los arteterapeutas participan activamente en el trabajo con equipos multidisciplinares. Trabajando en una amplia gama de escenarios.

 

¿En qué ámbitos se desarrolla la arteterapia?

La arteterapia es una profesión que se desarrolla principalmente dentro de los siguientes ámbitos:

·Ámbito Educativo: En colegios, institutos, espacios de educación alternativa, etc.

Un arteterapeuta puede ayudar a desarrollar e incrementar aspectos que se consideran de gran importancia en la educación, tales como la comunicación, el respeto, la autonomía, las relaciones interpersonales o la autoestima.

Los talleres de arteterapia dentro del ámbito educativo son de gran utilidad ya que la expresión artística y visual, nos ayuda a definirnos y ha hacer frente a situaciones complejas mediante el juego artístico.

·Ámbito Clínico: La arteterapia en hospitales ayuda a disminuir el desajuste emocional que puede ser causado por la enfermedad, o por la propia hospitalización, puede servir de herramienta para que el paciente aprenda a canalizar sus emociones. En hospitales se pueden realizar sesiones de arteterapia grupales o bien de manera individual, en la propia habitación del paciente.

En hospitales psiquiátricos se pueden realizar tratamientos para pacientes con diversas enfermedades mentales como esquizofrenia, depresión, bulimia o anorexia.

·Ámbito Social: En el ámbito social la arteterapia puede ser de gran ayuda para diferentes colectivos como, personas sin hogar, refugiados, personas mayores, casas de acogida para mujeres maltratadas o cárceles. Cada colectivo tiene unas necesidades fundamentales con las que se entrelazan las necesidades personales. En arteterapia se trabaja siempre adaptando cada proyecto a las necesidades de los participantes. Es habitual realizar una o dos sesiones de toma de contacto para conocer al grupo antes de realizar un programa. Los programas siempre se pueden re-adaptar durante su duración.

 

¿Quién puede hacer arteterapia?

Cualquier persona puede realizar arteterapia. Niños, adolescentes, personas mayores, desde personas que busquen conocerse un poco más a personas con trastornos psicológicos, neurológicos o cognitivos. No es necesario tener formación artística previa, por lo cual, cualquier persona puede beneficiarse de la arteterapia.

 

¿Por qué debería contratar a un arteterapeuta con formación oficial?

Un derecho de la práctica de todo arteterapeuta es continuar con el desarrollo profesional. Esto asegura el aprendizaje continuo, la supervisión de sus prácticas y el largo desarrollo de su carrera, manteniendo las habilidades y conocimientos al día, y asegurándose de que son capaces de trabajar de manera segura, legal y efectiva.

Los arteterapeutas que se han formado en másteres oficiales son expertos en arteterapia y en trabajo con clientes de todas las edades, por lo que los beneficios para los usuarios pueden extenderse mucho más allá de las sesiones, con resultados como la mejora de las habilidades sociales y de comunicación o mayor confianza y autoestima, lo que les permite desempeñar un papel más integrado en su comunidad local.

95 libros sobre arteterapia

A continuación os dejo una bibliografía con 95 libros de Arteterapia o que abordan el tema de la Arteterapia de manera transversal.

Arrington, D. B. (2001). Home is where the art is: An art therapy approach to family therapy. Charles C Thomas Publisher.

Barone, T., & Eisner, E. W. (2011). Arts Based Research. Sage.

Batle, S. (2010). Arte Terapia: Como poner magía, colores y creatividad a cada día.

Belver, M.; Moreno, C.; & Nuere, S. (2005). Arte infantil en contextos contemporáneos.

Brooke, S. L. (1997). Art therapy with sexual abuse survivors. Charles C Thomas Publisher.

Brooke, S. L. (2004). Tools of the trade: A therapist's guide to art therapy assessments. Charles C Thomas Publisher.

Buchalter, S. I. (2004). A practical art therapy. Jessica Kingsley Publishers.

Buchalter, S. I. (2009). Art therapy techniques and applications. Jessica Kingsley Publishers.

Campbell, J. (1999). Art therapy, race and culture. Jessica Kingsley Publishers.

Case, C., & Dalley, T. (2014). The handbook of art therapy. Routledge.

Case, C., & Dalley, T. (Eds.). (2002). Working with children in art therapy. Routledge.

Coll Espinosa, F. J. (2006). Arteterapia: dinámicas entre creación y procesos terapéuticos.

Csikszentmihalyi, M. (1998). Creatividad: el fluir y la psicología del descubrimiento y la invención.

Dalley, T. (Ed.). (2008). Art as therapy: An introduction to the use of art as a therapeutic technique. Routledge.

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Eisner, E. W. (2004). El arte y la creación de la mente: El papel de las artes visuales en la transformación de la conciencia.

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Farrelly-Hansen, M. (2001). Spirituality and art therapy: Living the connection. Jessica Kingsley Publishers.

Fiorini, H. (2006). El psiquismo creador: Teoría y clínica de procesos terciarios.

Fryear, J. L., & Corbit, I. E. (1992). Photo art therapy: A Jungian perspective. Charles C Thomas Publisher.

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Yalom, I. D. (2010). The gift of therapy. Piatkus.

Colorear fronteras o volar libre

Hace unos días, una lectora me solicitaba información sobre libros de Arteterapia. En un intento de actualizar mi bibliografía se me ocurrió buscar en Google: "Arteterapia Libros" y "Art Therapy books".

He de decir que quedé horrorizada al ver que en ambos idiomas, lo primero que aparece en los resultados de las búsquedas son libros para colorear. Si además filtras la búsqueda solo por imágenes los resultados pueden ofender a cualquier profesional de esta poderosa disciplina.

Recuerdo que cuando era niña me encantaba colorear. Disfrutaba viendo como una imagen en blanco y negro podía transformarse en un mundo de color, como un dibujo plano cobraba vida, pero también recuerdo que trataba de no salirme de los límites, esforzándome en completar el dibujo sin dejar partes en blanco dentro de aquellas formas que alguien había dibujado bajo sus criterios de belleza y armonía. Recuerdo también escoger los colores adecuados: el sol es amarillo, las hojas verdes, el cielo azul y así.

Ahora los libros de colorear para adultos se han puesto de moda y no solo me pregunto porque hay que categorizarlos como libros para adultos, (esto daría mucho de que hablar). Intento pensar sobre las pedagogías que hay detrás de colorear enrevesados patrones creados de manera industrial y dirigidos al consumo de masas.

Me imagino en una sesión de arteterapia diciéndole a los usuarios lo que estos libros proponen: No te salgas el límite, rellena sin dejar partes en blanco, termina de colorear un dibujo antes de empezar otro y eso sí relájate y disfruta.

Si la arteterapia ayuda a estimular la liberación de emociones contenidas y explorar más allá de lo evidente mientras que los libros de colorear nos proponen fronteras, límites y barreras. No se me ocurre un proceso más opuesto a la arteterapia que el de pinta y colorea.

Colorear puede ser divertido, puede entretenernos pero por favor que no nos hagan creer que los libros de colorear son libros de arteterapia.

Hagamos que el imaginario de la arteterapia no se limite a los libros de colorear, sino a una terapia que puede cambiar vidas.

Vuelvo a repetir: los libros para colorear no son arteterapia.

Arteterapia desde lo roto y desechado

Steve McPherson, 28 Objects that measured the world. 2009-2010.

En nuestra cultura material, a menudo sucede que cuando un objeto se rompe, automáticamente es desechado y reemplazado por otro con características funcionales similares, pero sin aún un contenido simbólico o emocional.

A diferencia del objeto, el objeto roto o desechado ha perdido sus propiedades objetivas y de uso, pero conserva otras propiedades subjetivas que le otorgan el valor que cada individuo le quiera dar.

Trabajar con fragentos de objetos o con materiales desechados, en el ámbito de la arteterapia puede originar una serie de procesos psicológicos que pueden llegar a activar emociones, proyecciones o determinados sentimientos.

La persona, por lo tanto puede vincularse con estos materiales, puede que porque le resulten familiares, porque se identifique con ellos, porque le aporten seguridad o un sin fin de etcéteras. Y es precisamente en esa capacidad de vínculo, donde nace la oportunidad de hacer un trabajo eficaz.

Esos fragmentos, posiblemente pueden implicar una historia pasada, una experiencia vivida y adherida al objeto, que permanece en sus pedazos.

Lo interesante es que estos mismos pedazos también están cargado de posibilidades futuras, siempre que se quiera, claro.

Por ejemplo el artista Bouke de Vries utiliza el concepto de restaurar y ampliar la vida del objeto, especialmente en un mundo donde es mucho más fácil comprar otro nuevo a continuación para reemplazar el roto.

Su obra también puede cubrir una gama de conceptos en relación con el despilfarro y la memoria de las cosas. Él lo llama 'la belleza de la destrucción', y en lugar de la reconstrucción de los objetos, de tratar de ocultar la evidencia de un episodio dramático en la vida del objeto, hace hincapié en su nueva condición, infundiendo nuevas virtudes y nuevos valores.

Otro ejemplo del trabajo artístico a partir de objetos, en este caso desechados, lo podemos ver en la obra que llevó a cabo Vik Muniz en colaboración con trabajadores de uno del gigantesco vertedero Jardim Gramacho, en Brazil.

El objetivo era desarrollar un proyecto personal: conseguir que la basura se convirtiera en arte, y que, además, el proceso sirviese para mejorar la vida y autoestima de miles de trabajadores del basurero.

Por último me gustaria mencionar el Kintsugi, en Japonés: reparación de oro. Es el arte de arreglar las roturas de la cerámica con barniz mezclado con polvo de oro, plata o platino.

Forma parte de una filosofía que plantea que las roturas y reparaciones son parte de la historia de un objeto y han de mostrarse en lugar de ocultarse, además de hacer el objeto hacerlo más bello, pone de manifiesto su transformación e historia.

La sociedad actual ha perdido el interés por restaurar lo viejo o roto. Pero, ¿qué pasa cuando trascendemos el objeto a una persona, a una persona rota y deteriorada por dentro? Ahí es donde el término resiliencia juega un papel fundamental.

Convertirse en un persona resiliente hará posible que podamos recomponernos por dentro y por fuera. De hecho, lo que fomenta el Kintsugi es que sea uno mismo quien restaure su propio plato.

Melanie Klein, en el concepto de reparación, vincula la sublimación con algo que está roto y puede ser reparado por lo que basándonos en su teoría podríamos afirmar que en el trabajo y durante el proceso artístico empleando materiales rotos o que han sido desechados, se pueden activar procesos reparadores, no solo a nivel material, sino también a nivel psicológico.

Los pedazos de los objetos están cargados de posibilidades, y estas residen en la revalorización que nosotros hagamos de ellos.

A continuación comparto de nuevo un texto que escribí en 2013 sobre el trabajo con objetos desechados, dentro del ámbito de la arteterapia.

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+ Arte Contemporáneo en la educación artística

El trabajo de los artistas contemporáneos puede ofrecer nuevas estrategias y enfoques para la creación y la facilitación del proceso artístico de los participantes de nuestros talleres, ya sean niños, adultos o personas mayores.

Las obras de arte contemporáneo a menudo incluyen la investigación histórica o de archivo, la escritura, la investigación científica, la ingeniería o la lectura, entre otras actividades y métodos. De esta manera, el arte contemporáneo, o mejor dicho, los procesos artísticos contemporáneos, pueden fomentar el aprendizaje del arte en el aula desde la investigación ya que el empleo de un proceso de investigación artística, puede fomentar el poder de la curiosidad humana.

Para los educadores artísticos, la enseñanza de las prácticas artística se ha expandido, reflejando nuevas herramientas, materiales y métodos de trabajo. Acercándose a la obra de artistas que han dejado de crear, objetos de arte como reconocibles pinturas o esculturas, para crear eventos efímeros, experiencias, actuaciones o incluso conversaciones. Hoy en día, el Arte desafía aspiraciones puramente estéticas y en su lugar puede servir como un lugar para la reflexión, la conversación, la crítica, o el desarrollo de nuevos conocimientos.

Por eso es importante fomentar una actitud crítica en el aula, que nuestros participantes o alumnos de hagan preguntas, sean críticos y no meros repetidores de esquemas establecidos.

Como educadores artísticos debemos ver cada proyecto que planteamos como una oportunidad para formular preguntas y aprender de ellas.

Por eso desde aquí quisiera alentar a los educadores artísticos a pensar en el proceso de aprendizaje del arte contemporáneo como algo a largo plazo, planteando proyectos, tal vez como una investigación que no tiene respuestas específicas. Pensar en las preguntas y las ideas que puede haber detrás de una determinada obra y estar atentos a cómo los estudiantes pueden interesarse más en particulares imágenes, objetos, estrategias o métodos de trabajo, en base a lo que saben o les interesa. Es importante considerar la participación activa de los estudiantes en las nuevas formas de ver, pensar y crear, mediante la creación de espacios para el diálogo.

Los artistas contemporáneos sirven como modelos creativos, que pueden inspirar a la gente de todas las edades a considerar cómo se desarrollan las ideas y ofrecen a los educadores la oportunidad de apoyar diversos estilos de aprendizaje.

A su vez, la integración del arte contemporáneo en los entornos escolares y en espacios comunitarios de aprendizaje, permite a los educadores provocar la curiosidad y alentar el diálogo sobre el mundo y los problemas que pueden afectar la vida de los estudiantes. El arte contemporáneo es parte de un diálogo cultural que se refiere a marcos más amplios, como la identidad personal y cultural, la familia, la comunidad y la nacionalidad.

Como sabemos, muchos artistas no trabajan con un solo medio o técnica si no que tratan de explorar una idea, situación o pregunta a través de múltiples medios y estrategias visuales. Por eso a la hora de preparar un programa de educación artística es importante que se haga en torno a una idea general, tema o cuestión en primer lugar, para después decidir que recursos o materiales apoyarán la investigación. Ya que la idea general debe centrarse en la investigación y crear un marco de unión, en la que se puede incluir múltiples recursos, obras de arte y artistas. Evitando la imitación del estilo o métodos de un solo artista, sino más bien introduciendo una serie de artistas que pueden tener ideas o enfoques divergentes y puede ofrecer múltiples perspectivas y métodos de trabajo relacionados con un tema, idea o pregunta elegida.

Para ello podemos animar a los estudiantes a compartir sus ideas y posibles pasos a seguir con sus compañeros, invitándoles a pensar a través de múltiples opciones antes de seleccionar una idea final que perseguir. Hacerlos participar en las discusiones que desafían y desarrollar sus ideas, a la espera de la realización de la obra de arte final.

Es de vital importancia que en lugar de diseñar nuestros talleres o sesiones con un producto final o proyecto en mente, consideremos las diferentes maneras en que podemos desarrollar y hacer realidad una idea. Planteando objetivos de aprendizaje que fomentan el pensamiento crítico y habilidades de investigación, para que los alumnos puedan realizar obras significativas.

10 preguntas para hacerles a los niños sobre sus trabajos artísticos

A menudo nos sucede que cuando vemos los dibujos de nuestros hijos o alumnos no sabemos muy bien como responder y nos limitamos a decir: -Qué bonito, -¿qué es?, o simplemente: -está muy bien. 

De lo que no nos percatamos es de que mediante esos comentarios estamos estableciendo juicios de valores que quizás, más que beneficiar, perjudiquen al desarrollo de las habilidades de pensamiento crítico de los niños y niñas.

A continuación os dejo una lista de 10 preguntas que podemos hacer a los niños sobre sus trabajos artísticos:


1. ¿Qué puedes decirme de tu imagen o trabajo?

2. ¿Qué materiales usaste?

3. ¿De dónde sacaste la idea?

4. ¿Cuál es tu parte favorita?

5. ¿Qué título le pondrías?

6. Si hicieses esta obra de nuevo, la cambiarías, lo harías de manera diferente?

7. ¿Por qué has utilizado el color este color para pintar esta parte del dibujo?

8. ¿Qué pasaría si hubieras utilizado el color rojo en lugar de azul o ceras en vez de lápiz, o si esta figura fuese más grande, o más pequeña?

9. ¿Cómo hiciste estas líneas, decidiste sobre estos colores, o creaste esta forma?

10. ¿Harías algo más? ¿Lo consideras terminado?

Al tomar un interés en su trabajo estarás apoyando al niño o niña, por otro lado las preguntas abiertas ayudarán a desarrollar habilidades de pensamiento crítico de los niños y niñas.

El arte como herramienta

Al igual que otras herramientas, el arte tiene el poder de extender nuestras capacidades más allá de aquellas aptitudes con las que la naturaleza nos ha dotado inicialmente.

El arte como herramienta nos puede ayudar a cubrir una necesidad, a equilibrarnos, a compensar debilidades innatas o a reparar ciertos desniveles o flaquezas relacionadas con la mente, más que con cuerpo en este caso.

Necesidades a las que podríamos referirnos como psicológicas.

Una herramienta es una extensión del cuerpo que permite que se lleve a cabo un deseo.

Además dicha herramienta se requiere debido a un inconveniente en nuestra constitución, es decir, debido a una carencia en nuestra condición como seres humanos que nos impide llevar a cabo ese deseo sin una herramienta adecuada.

Por ejemplo, un cuchillo es una respuesta a nuestra necesidad e imposibilidad de cortar. Una botella es una respuesta a nuestra necesidad e incapacidad, para llevar el agua.

Para descubrir el propósito del arte, debemos preguntarnos qué es aquello que deseamos o necesitamos hacer con nuestros pensamientos, emociones y en definitiva con nuestra psique, pero con lo al mismo tiempo tenemos problemas.

¿Con qué fragilidades o debilidades psicológicas podría ayudar el arte?